Martial Arts und Ihre Persönlichkeitstyp

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Ich bin sicher, Sie haben über die verschiedenen Persönlichkeitstypen gehört: Typ A sind diejenigen, die sehr konkurrenzfähig und zielorientiert sind und Typ B sind die Menschen, die mehr entspannt und entspannt sind über das Leben. Nun, vor kurzem in den Nachrichten, hat es gesprochen, über einen dritten Persönlichkeitstyp, Typ D. Typ D's sind diejenigen, die oft negativ, feindlich, depressiv und launisch sind und sie sind oft unsicher und angespannt in sozialen Situationen.

Sie wissen wahrscheinlich, welche Persönlichkeitstyp Ihnen am besten passt und es gibt Vor-und Nachteile zu jedem Typ. Zum Beispiel, während Typ A's sind wahrscheinlich, um alles, was sie tun oder zumindest arbeiten sich auf die Knochen versuchen, sie auch oft unter viel Stress zu folgen. Typ B's sind unwahrscheinlich, um Stress zu erleben, weil stressige Situationen dazu neigen, sie zu ermutigen, die Arbeit zu erledigen und sind in der Regel ziemlich unwahrscheinlich, um über die kleinen Dinge irritiert werden. Typ D's kann oder kann nicht erreichen, was sie tun müssen, weil sie sich oft in einem verzweifelten Zustand des Geistes befinden.

Es gibt etwas, das Ihnen helfen kann, Ihre Persönlichkeit auszugleichen, um Ihren Erfolg zu erhöhen (was auch immer Sie wollen, um erfolgreich zu sein). Kampfkünste können Ihnen die Fähigkeiten, um die negativen Seiten Ihrer Persönlichkeit mit den positiven Seiten auszugleichen. Hier ist, wie:

Wenn du ein Typ A bist, brauchst du etwas zu helfen, dich zu entspannen und Stress zu reduzieren. Training Kampfkunst hilft nicht nur Sie reduzieren den gleichen Stress, dass andere körperliche Übungen durch die Freisetzung von Endorphinen tun, es hilft Ihnen auch geistig als gut. Training Kampfkunst erfordert, dass Sie eine Körper-Geist-Verbindung wie keine andere Sportart oder Aktivität zu schaffen, weil Sie klar zu konzentrieren und konzentrieren sich auf die Bewegungen Ihr Üben. Eine Trainingseinheit wird Ihnen erlauben, Ihren Geist der Arbeit und alles andere zu löschen, das Stress in Ihrem Leben verursachen könnte.

Typ B's können auch von Kampfkünsten profitieren, denn obwohl sie oft sogar gehärtet sind, kann jeder eine lustige, spannende Steckdose nutzen. Martial Arts kann dies in einer Weise, dass nur wenige andere körperliche Aktivitäten können. Zuerst ist die Ausbildung von Kampfkünsten ein Ganzkörpertraining. Praktizierende müssen nicht zwischen Ober- und Untere, Abs und Gluten wechseln. Darüber hinaus entwickelt sich das Kampfsport-Training immer, um den Praktikern zu begegnen, die Fähigkeiten und Niveaus wachsen.

Das letzte Persönlichkeitsmerkmal, der Typ D's kann großen Vorteil von der Ausbildung der Kampfkünste finden. Es gibt ein Gefühl der Ruhe und Spiritualität, die mit einer erfolgreichen Ausbildung kommt, die die meisten Typen D's in ihrem Leben nutzen könnten, um die negativen Emotionen und Gedanken, die in ihrem Leben zu bedrohen sind, auszugleichen.

Es gibt so viele weitere Vorteile als die hier aufgeführten, darunter mehr Vertrauen, erhöhte Flexibilität und erhöhte Selbstverteidigung Fähigkeiten. Warum probier es nicht aus? Egal, welche Art von Persönlichkeit Sie sind, gibt es Möglichkeiten, dass Kampfkünste können Ihr Leben noch besser machen!

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Mono No Aware: Die Essenz von Japan

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Mono kein Bewusstsein: die japanische Schönheit Ästhetik

Bedeutung buchstäblich "eine Sensibilität für Dinge", Mono kein Bewusstsein ist ein Konzept, das die Essenz der japanischen Kultur, Erfunden vom japanischen literarischen und sprachlichen Gelehrten Gelehrten Motoori Norinaga im achtzehnten Jahrhundert und bleibt der zentrale künstlerische Imperativ in Japan bis heute. Die Phrase stammt aus dem Wort * bewusst *, das in Heian Japan Empfindlichkeit oder Traurigkeit bedeutete, und das Wort mono, was bedeutet, und beschreibt Schönheit als Bewusstsein für die Vergänglichkeit aller Dinge und eine sanfte Traurigkeit bei ihrem Vorbeigehen. Es kann auch als das "Ah-Ness" der Dinge, des Lebens und der Liebe übersetzt werden.

Mono kein Bewusstsein gab eine Ästhetik, die bereits in der japanischen Kunst, Musik und Poesie existierte, deren Quelle Kann direkt auf die Einführung des Zen-Buddhismus im zwölften Jahrhundert zurückgeführt werden, eine spirituelle Philosophie und Praxis, die alle Aspekte der japanischen Kultur, aber vor allem Kunst und Religion, zutiefst beeinflusst hat. Die flüchtige Natur der Schönheit, die von mono no aware beschrieben wird, stammt aus den drei Existenzzuständen in der buddhistischen Philosophie: Unbefriedigung, Unpersönlichkeit und vor allem in diesem Zusammenhang die Unbeständigkeit.

Laut Mono kein Bewusstsein, ein Sturz oder ein Wüten Herbst Blume ist schöner als eine in voller Blüte; Ein verblassender Klang schöner als man eindeutig hörte; Der Mond trübte sich etwas ansprechender als voll. Der Sakura- oder Kirschblütenbaum ist der Inbegriff dieser Vorstellung von Schönheit; Die Blüten der berühmtesten Sorte, somei yoshino, fast reines Weiß gefärbt mit einem subtilen blass rosa, blühen und dann innerhalb einer einzigen Woche fallen. Das Thema von tausend Gedichten und einer nationalen Ikone, der Kirschblütenbaum verkörpert die Schönheit als vorübergehende Erfahrung.

Mono kein Bewusstsein sagt, dass Schönheit eine subjektive als objektive Erfahrung ist, ein Zustand des Seins letztlich innerlich statt Äußerlich Basierend weitgehend auf klassischen griechischen Idealen, wird die Schönheit im Westen in der ultimativen Perfektion eines äußeren Gegenstandes gesucht: eine erhabene Malerei, perfekte Skulptur oder komplizierte musikalische Komposition; Eine Schönheit, die man sagen könnte, um nur Haut tief zu sein. Das japanische Ideal sieht die Schönheit stattdessen als ein Erlebnis des Herzens und der Seele, ein Gefühl für und Wertschätzung von Gegenständen oder Kunstwerken – am häufigsten Natur oder die Darstellung von – in einem unberührten, unberührten Zustand.

Eine Anerkennung Der Schönheit als ein Staat, der nicht dauert und nicht erfaßt werden kann, ist nicht derselbe wie der Nihilismus und kann besser in Bezug auf die Philosophie des Zen-Buddhismus der irdischen Transzendenz verstanden werden: eine spirituelle Sehnsucht nach dem Unendlichen und Ewigen – die Quelle von Alle weltlichen Schönheit. Wie der Mönch Sotoba in Zenrin Kushū schrieb (Poesie des Zenrin-Tempels), sieht Zen das Nichts nicht als einen Zustand der Abwesenheit an, sondern die Bejahung eines Unsichtbaren, der hinter dem leeren Raum existiert: "Alles existiert in der Leere: Blumen, Der Mond in den Himmel, schöne Landschaft. "

Mit seinen Wurzeln im Zen-Buddhismus ist * mono no aware * eine Beziehung zum Nicht-Dualismus der indischen Philosophie, wie in der folgenden Geschichte über Swami Vivekananda verwandt Von Sri Chinmoy:

* "Schönheit", sagt [Vivekananda]"ist nicht äußerlich, sondern schon im Kopf." Hier werden wir daran erinnert, was seine spirituelle Tochter Nivedita über ihren Meister geschrieben hat. "Es war dunkel, als wir uns Sizilien näherten, und gegen den Sonnenunterganghimmel war der Ätna in leichtem Ausbruch, und als wir in die Meerenge von Messina kamen, erhob sich der Mond, und ich ging auf dem Deck neben dem Swami hinauf, während er wohnte Tatsache, dass die Schönheit nicht draußen ist, sondern schon im Kopf, auf der einen Seite die dunklen Felsvorsprünge der italienischen Küste verkrampft, auf der anderen Seite wurde die Insel mit silbernem Licht berührt. »Messina muss mir danken«, sagte er Ich gebe ihr all ihre Schönheit. "" Wirklich, in Abwesenheit von Wertschätzung ist Schönheit überhaupt keine Schönheit. Und die Schönheit ist ihren Namen nur wert, wenn es geschätzt worden ist. *

Der Gründer von * mono no aware *, Motoori Norinaga (1730-1801), war der herausragende Gelehrte der Kokugakushu-Bewegung Nationalistische Bewegung, die alle äußeren Einflüsse aus der japanischen Kultur zu entfernen suchte. Kokugakushu war enorm einflussreich in Kunst, Poesie, Musik und Philosophie und verantwortlich für die Wiederbelebung während der Tokugawa-Periode der Shinto-Religion. Widersprüchlich war der Einfluß der buddhistischen Ideen und Praktiken auf die Kunst und sogar der Shintoismus selbst so groß, daß, obwohl der Buddhismus technisch ein äußerer Einfluß ist, es zu diesem Zeitpunkt nicht in der Lage war, befreit zu werden.

Bedeutung wörtlich "eine Sensibilität für Sachen "Mono kein Bewusstsein ist ein Konzept, das die Essenz der japanischen Kultur beschreibt, erfunden von dem japanischen literarischen und sprachlichen Gelehrten Gelehrten Motoori Norinaga im achtzehnten Jahrhundert und bleibt der zentrale künstlerische Imperativ in Japan bis zum heutigen Tag. Die Phrase leitet sich aus dem Wort bewusst, das in Heian Japan Empfindlichkeit oder Traurigkeit bedeutete, und das Wort mono, was bedeutet, und beschreibt Schönheit als ein Bewusstsein für die Vergänglichkeit aller Dinge und eine sanfte Traurigkeit bei ihrem Vorbeigehen. Es kann auch als das "Ah-Ness" der Dinge, des Lebens und der Liebe übersetzt werden.

Mono kein Bewusstsein gab eine Ästhetik, die bereits in der japanischen Kunst, Musik und Poesie existierte, deren Quelle Kann direkt auf die Einführung des Zen-Buddhismus im zwölften Jahrhundert zurückgeführt werden, eine spirituelle Philosophie und Praxis, die alle Aspekte der japanischen Kultur, aber vor allem Kunst und Religion, zutiefst beeinflusst hat. Die flüchtige Natur der Schönheit, die von mono no aware beschrieben wird, stammt aus den drei Existenzzuständen in der buddhistischen Philosophie: Unbefriedigung, Unpersönlichkeit und vor allem in diesem Zusammenhang die Unbeständigkeit.

Laut Mono kein Bewusstsein, ein Sturz oder ein Wüten Herbst Blume ist schöner als eine in voller Blüte; Ein verblassender Klang schöner als man eindeutig hörte; Der Mond trübte sich etwas ansprechender als voll. Der Sakura- oder Kirschblütenbaum ist der Inbegriff dieser Vorstellung von Schönheit; Die Blüten der berühmtesten Sorte, somei yoshino, fast reines Weiß gefärbt mit einem subtilen blass rosa, blühen und dann innerhalb einer einzigen Woche fallen. Das Thema von tausend Gedichten und einer nationalen Ikone, der Kirschblütenbaum verkörpert die Schönheit als vorübergehende Erfahrung.

Mono kein Bewusstsein sagt, dass Schönheit eine subjektive als objektive Erfahrung ist, ein Zustand des Seins letztlich innerlich statt Äußerlich Basierend weitgehend auf klassischen griechischen Idealen, wird die Schönheit im Westen in der ultimativen Perfektion eines äußeren Gegenstandes gesucht: eine erhabene Malerei, perfekte Skulptur oder komplizierte musikalische Komposition; Eine Schönheit, die man sagen könnte, um nur Haut tief zu sein. Das japanische Ideal sieht die Schönheit stattdessen als ein Erlebnis von Herz und Seele, ein Gefühl für und Wertschätzung von Objekten oder Kunstwerken – am häufigsten Natur oder die Darstellung von – in einem unberührten, unberührten Zustand.

Eine Anerkennung Der Schönheit als ein Staat, der nicht dauert und nicht erfaßt werden kann, ist nicht derselbe wie der Nihilismus und kann besser in Bezug auf die Philosophie des Zen-Buddhismus der irdischen Transzendenz verstanden werden: eine spirituelle Sehnsucht nach dem Unendlichen und Ewigen – die Quelle von Alle weltlichen Schönheit. Wie der Mönch Sotoba in Zenrin Kushū (Poesie des Zenrin-Tempels) schrieb, sieht Zen das Nichts nicht als Abwesenheit, sondern die Behauptung eines Unsichtbaren, das hinter dem leeren Raum existiert: "Alles existiert in der Leere: Blumen, der Mond In den Himmel, schöne Landschaft. "

Mit seinen Wurzeln im Zen-Buddhismus ist mono kein Bewusstsein eine Beziehung zum Nicht-Dualismus der indischen Philosophie, wie in der folgenden Geschichte über Swami Vivekananda von Sri Chinmoy verwandt:

"Schönheit", sagt [Vivekananda]"ist nicht äußerlich, sondern schon im Kopf." Hier werden wir daran erinnert, was seine spirituelle Tochter Nivedita über ihren Meister geschrieben hat. "Es war dunkel, als wir uns Sizilien näherten, und gegen den Sonnenunterganghimmel war der Ätna in leichtem Ausbruch, und als wir in die Meerenge von Messina kamen, erhob sich der Mond, und ich ging auf dem Deck neben dem Swami hinauf, während er wohnte Tatsache, dass die Schönheit nicht draußen ist, sondern schon im Kopf, auf der einen Seite die dunklen Felsvorsprünge der italienischen Küste verkrampft, auf der anderen Seite wurde die Insel mit silbernem Licht berührt. »Messina muss mir danken«, sagte er Ich gebe ihr all ihre Schönheit. "" Wirklich, in Abwesenheit von Wertschätzung ist Schönheit überhaupt keine Schönheit.

Der Begründer von Mono no aware, Motoori Norinaga (1730-1801), war der herausragende Gelehrte der Kokugakushu-Bewegung, eine nationalistische Bewegung, die Suchte alle äußeren Einflüsse aus der japanischen Kultur zu entfernen. Kokugakushu war enorm einflussreich in Kunst, Poesie, Musik und Philosophie und verantwortlich für die Wiederbelebung während der Tokugawa-Periode der Shinto-Religion. Widersprüchlich war der Einfluß der buddhistischen Ideen und Praktiken auf die Kunst und sogar der Shintoismus selbst so groß, daß, obwohl der Buddhismus technisch ein äußerer Einfluß ist, es zu diesem Zeitpunkt nicht in der Lage war, befreit zu werden.

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Unterschiede zwischen Neoklassizismus und Romantik

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Einleitung:

Neoklassizistische und romantische Bewegungen decken den Zeitraum von 1660 bis 1832. Neoklassizismus zeigte das Leben rational, als es wirklich war. Die Romantiker begünstigten ein Interesse an der Natur, malerisch, gewalttätig und erhaben. Im Gegensatz zum Neoklassizismus, der für Ordnung, Vernunft, Tradition, Gesellschaft, Intellekt und formale Diktion stand, ließ die Romantik die Menschen von den beschränkten rationalen Lebensansichten ab und konzentrierte sich auf eine emotionale und sentimentale Seite der Menschheit. In dieser Bewegung lag der Schwerpunkt auf Emotion, Leidenschaft, Phantasie, individueller und natürlicher Diktion. Die romantische Bewegung, die zum Teil aus den Befreiungs- und egalitären Idealen der Französischen Revolution entstand, hatte nur eine Revolte gegen die Regeln des Klassizismus gemeinsam

Neoklassizismus war eine künstlerische und intellektuelle Bewegung, beginnend in der Mitte des 17. Jahrhunderts in England, sowohl progressiv und traditionell in seinem Ziel der Rivalität der literarischen und künstlerischen Leistungen des Augustus Cäsar's Tag und der klassischen Zeit im Allgemeinen. Diese Bewegung könnte als eine Religion des Kopfes charakterisiert werden . Im Gegenteil, Romantik war eine künstlerische und intellektuelle Bewegung, die sich im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert über ganz Europa verbreitete. Diese Bewegung war eine Reaktion im direkten Gegensatz zum Zeitalter der Vernunft in ihrem Verständnis des menschlichen Glücks und der Mittel, sie zu erreichen. Diese literarische Revolution könnte als eine Religion des Herzens charakterisiert werden. Es gibt offensichtlich viele Unterschiede zwischen diesen beiden Sätzen und hier werde ich diese beiden Bewegungen in der englischen Literatur vergleichen und kontrastieren, indem ich die Prinzipien und Schriftsteller und Werke von Schriftstellern betrachte, die diese Unterschiede in beiden Perioden zeigen.

Neoklassizismus:

Die englische Neoklassizistische Bewegung (1660-1798), die auf klassischen und zeitgenössischen französischen Modellen beruht und abgeleitet ist, verkörperte eine Gruppe von Einstellungen zur Kunst und zum menschlichen Dasein – Ideale der Ordnung, Logik, Zurückhaltung, Genauigkeit, "Zurückhaltung", Dekoration und so weiter, die es den Praktikern der verschiedenen Künste ermöglichen würde, die Strukturen und Themen griechischer oder römischer Originale nachzuahmen oder zu reproduzieren. Obwohl ihre Ursprünge viel früher waren (der elisabethanische Ben Jonson zum Beispiel war für den römischen Dichter Horace wie der spätere Alexander Pope verpflichtet), beherrschte Neoklassizismus die englische Literatur von der Restauration im Jahre 1660 bis zum Ende des achtzehnten Jahrhunderts Veröffentlichung von Lyrical Ballads (1798) von Wordsworth und Coleridge markiert die vollständige Entstehung der Romantik.

Der Begriff "Neoklassizismus" wurde erst Mitte des 19. Jahrhunderts erfunden, und damals wurde der Stil durch Begriffe wie "den wahren Stil", "reformiert" und "erweckt" beschrieben; Was als sehr lebendig angesehen wurde. Uralte Modelle waren sicherlich sehr engagiert, aber der Stil könnte auch als Wiederbelebung der Renaissance und vor allem in Frankreich als Rückkehr zu dem strengeren und nobeleren Barock angesehen werden Alter Ludwigs XIV., Für den sich eine beträchtliche Nostalgie entwickelt hatte, als Frankreichs dominierende militärische und politische Position einen ernsten Rückgang begannen.

Die neoklassizistische Periode kann in drei relativ kohärente Teile aus Gründen der Bequemlichkeit unterteilt werden:

  1. das Restaurationszeitalter (1660-1700), in dem Milton, Bunyan und Dryden die dominanten Einflüsse waren
  2. das Augustus-Zeitalter (1700-1750), in dem Pope die zentrale poetische Figur war, während Defoe, Richardson, Fielding und Smollett über die Raffinesse des Romans präsidierten; Und
  3. Das Zeitalter von Johnson (1750-1798), das zwar durch den Geist und die Persönlichkeit des einzigartigen Dr. Samuel Johnson dominiert und charakterisiert wurde, dessen Sympathien mit der verblassenden Vergangenheit des Augustus zu tun hatten, sah die Anfänge eines neuen Verständnisses Und die Wertschätzung der Arbeit von Shakespeare, die Entwicklung des Romans der Sinnlichkeit und die Entstehung der gotischen Schulden, die im Rahmen der Entwicklung eines Kultus der Natur den Einfluß des deutschen Romantikers beeinflussen, von Sterne und anderen Dachte religiöse Tendenzen wie der Aufstieg des Methodismus und politische Ereignisse wie die amerikanischen und französischen Revolutionen – die geistigen und emotionalen Grundlagen der englischen Romantik

Neoklassizismus war am stärksten in der Architektur, Skulptur und die dekorativen Künste, wo klassische Modelle in demselben Medium waren relativ zahlreich und zugänglich; Beispiele aus der alten Malerei, die die Qualitäten, die Winckelmanns Schrift in der Skulptur gefunden hat, gezeigt haben und fehlen. Winckelmann war an der Verbreitung der Erkenntnisse der ersten großen römischen Gemälde beteiligt, die in Pompeji und Herculaneum entdeckt werden sollten, und wie die meisten Zeitgenossen, außer Gavin Hamilton, von ihnen unbeeindruckt und unter Berufung auf Plinius des Jüngeren über den Niedergang der Malerei in seiner Periode

Europäischer Neoklassizismus in der bildenden Kunst begann c. 1760 im Gegensatz zu den damals dominierenden Barock- und Rokokostilen. Rokoko-Architektur betont Gnade, Ornamentik und Asymmetrie; Neoklassizistische Architektur basiert auf den Prinzipien der Einfachheit und Symmetrie, die als Tugenden der Künste Roms und des antiken Griechenlands gesehen wurden und aus dem Renaissance-Klassizismus des 16. Jahrhunderts entstanden sind.

Neoklassizismus repräsentierte eine Reaktion gegen die optimistische, übertriebene und enthusiastische Renaissance-Sicht des Menschen als ein fundamental gutes Wesen und besaß ein unendliches Potential für geistiges und intellektuelles Wachstum. Neoklassische Theoretiker dagegen sahen den Menschen als ein unvollkommenes Wesen, von Natur aus sündhaft, dessen Potenzial begrenzt war. Sie ersetzten den Renaissance-Schwerpunkt auf Phantasie, Erfindung und Experimentieren und auf Mystik mit Betonung auf Ordnung und Vernunft, auf Zurückhaltung, auf den gesunden Menschenverstand und auf religiösen, politischen, wirtschaftlichen und philosophischen Konservatismus. Sie behaupteten, daß der Mensch selbst das geeignetste Subjekt der Kunst sei und die Kunst selbst als wesentlich pragmatisch betrachte – so wertvoll, weil sie irgendwie nützlich sei – und als etwas, das eher intellektuell als emotional sei.

Daher ihre Betonung auf das eigentliche Thema; Und damit ihre Versuche, die Einzelheiten einem Gesamtdesign unterzuordnen, in ihren Arbeitskonzepten wie Symmetrie, Proportion, Einheit, Harmonie und Gnade zu beschäftigen, was den Prozess der Freude, Anregung, Erziehung und Korrektur des gesellschaftlichen Tieres, das sie glaubten, erleichtern würde Mann zu sein. Ihre bevorzugten literarischen Prosa waren der Aufsatz, der Brief, die Satire, die Parodie, der Burleske und die moralische Fabel; In der Poesie war die beliebte Versform das gereimte Couplet, das seine größte Raffinesse im heroischen Couplet des Papstes erreichte; Während das Theater die Entwicklung des heroischen Dramas, des Melodramas, der sentimentalen Komödie und der Komödie der Manieren erblickte. Das Verschwinden des Neoklassizismus mag wohl das letzte Flimmern der Aufklärung darstellen, aber die künstlerischen Bewegungen niemals wirklich sterben: Viele der primären ästhetischen Grundsätze des Neoklassizismus sind in der Tat im zwanzigsten Jahrhundert wieder aufgetaucht – zum Beispiel in der Poesie und Kritik an TS Eliot – als Manifestationen einer Reaktion gegen die Romantik selbst: Eliot sah den Neo-Klassizismus als Poetik und bewusste Handwerkskunst und Romantik als Poesie der persönlichen Emotionen und "Inspiration" und wies die ersteren vorsichtig aus

Romantik:

Auf der anderen Seite begann die kreative, literarische und gelehrte Bewegung, die als "Romantik" bekannt ist, im 18. Jahrhundert in Europa und war in den meisten Gebieten in der geschätzten Ära von 1798 bis 1832 bekannt (einige Historiker sagen, ab 1800) Bis 1840). Teilweise als Reaktion auf die Industrielle Revolution (19459008) war es auch eine Revolte gegen die aristokratischen gesellschaftlichen und politischen Normen des Neoklassizismus oder der Zeit der Aufklärung und eine Reaktion gegen die wissenschaftliche Erklärung der Natur . Viele Kritiker sagen, dass die Romantische Bewegung in Deutschland erschien, die sich bald nach England und Frankreich verbreitete, aber die Hauptquelle der Inspiration kam von den Ereignissen und Ideologien der Französischen Revolution. Abgesehen davon ist auch die industrielle Revolution, die im selben Zeitraum begann, für die Entwicklung dieser Bewegung verantwortlich. Obwohl seit Jahrhunderten romantische Elemente in Kunst und Literatur gefunden wurden, war es die Veröffentlichung von '' Lyrical Balladen '' von Wordsworth und Samuel Taylor Coleridge im Jahre 1798, die den Beginn der Romantik markierten. Lassen Sie uns dieses Konzept jetzt näher erläutern. Es ist eine literarische, künstlerische und philosophische Bewegung, die sich vor allem durch eine Reaktion gegen den Neoklassizismus und eine Betonung der Phantasie und Emotionen auszeichnet und vor allem in der englischen Literatur durch Sinnlichkeit und den Gebrauch von autobiographischem Material, eine Bewunderung des Urmenschen und des gemeinen Mannes gekennzeichnet ist , Eine Anerkennung der äußeren Natur, ein Interesse an der Fernbedienung, eine Neigung zur Melancholie und der Gebrauch in der Poesie älterer Versformen. Diese Periode wird die zweite schöpferische Periode der englischen Literatur genannt (das elisabethanische Alter ist das erste). Die Literatur dieser Zeit ist weitgehend poetisch; Es ist das goldene Zeitalter der Lyrik.

Der Ausdruck, Romantik, ist ein Phänomen von immensen Umfang; Sie umfasst Literatur, Politik, Geschichte, Philosophie und Kunst im Allgemeinen. Es gab nie viel Übereinstimmung und viel Verwirrung darüber, was das Wort bedeutet. Es ist in der Tat in so vielen verschiedenen Arten verwendet worden, dass einige Gelehrte argumentiert haben, dass das Beste, was wir mit dem Ausdruck tun könnten, ist, es ein für allemal zu verlassen. Allerdings würde das Phänomen der Romantik nicht einfacher werden, indem man einfach sein Label der Bequemlichkeit wegwerfe.

Ursprünglich verwies die Romantik auf die Eigenschaften von Romanen, deren Extravaganz trug etwas pejorative Konnotationen. Aber im 18. Jahrhundert bezeichnete das Wort eine neue Art exotischer Landschaft, die Gefühle angenehmer Melancholie hervorrief. Der Begriff Romantik als Bezeichnung für eine klassische Klassik-Literatur wurde zum ersten Mal vom deutschen Kritiker Karl Wilhelm Friedrich von Schlegel (1772-1829) zu Beginn des 19. Jahrhunderts verwendet. Aus Deutschland wurde diese Bedeutung nach England und Frankreich getragen.

Da keine einzelne Figur oder literarische Schule alle Merkmale, die als "romantisch" bezeichnet werden, zeigt, sind allgemeine Definitionen meist ungenau. Darüber hinaus sind diese Merkmale oft in Künstlern und kulturelle Bewegungen nicht in der Regel so bezeichnet erkannt. Sie sind nicht in der Tat das alleinige Eigentum der Romantik, aber hier sind sie dominant und geben Identität einer Ära.

Eine der Grundlagen der Romantik ist der Glaube an die natürliche Güte des Menschen, die Vorstellung, dass der Mensch in einem Naturzustand sich gut verhalten würde, aber durch die Zivilisation behindert wird (Rousseau – "Der Mensch ist geboren Frei und überall ist er in Ketten "). Der "Wilde" ist edel, die Kindheit ist gut und die Emotionen, die von beiden Überzeugungen inspiriert sind, veranlassen das Herz zu steigen. Im Gegenteil, das städtische Leben und das Bekenntnis zum "Erhalten und Ausgeben" erzeugen eine Angst und ein Misstrauen gegenüber der Welt. Wenn der Mensch von Natur aus sündhaft ist, muss die Vernunft seine Leidenschaften zurückhalten, aber wenn er von Natur aus gut ist, dann kann man in einer geeigneten Umgebung seine Gefühle vertrauen (Blake – "baden im Wasser des Lebens").

Die Idee der natürlichen Güte des Menschen und der Stress auf die Emotionen trugen auch zur Entwicklung des romantischen Individualismus bei, das heißt, der Glaube, dass das Besondere am Menschen über das Repräsentative geschätzt werden muss (letzteres oftmals mit dem Konventionen, die dem Menschen durch die "zivilisierte Gesellschaft" auferlegt werden. Wenn ein Mann sein einzigartiges emotionales Selbst, weil sein Wesen gut ist, richtig ausdrücken kann, wird er wahrscheinlich auch davon ausgehen, dass seine Konflikte und Korruptionen eine große Bedeutung und eine Quelle der Faszination sind (19459005) The Prelude ) und Lord Byron (in Childe Harold's Pilgrimage ), Dichter sehr unterschiedlich von einander , Das sich selbst, das Byron dramatisierte, eine Projektion darstellte, die mit seiner eigenen Persönlichkeit nicht identisch war, war dem romantischen Verstande besonders lieb: der verstoßene Wanderer, heroisch durch Verflixt, oft auf eine verzweifelte Suche, In der Tradition von Kain oder dem fliegenden Holländer. S. T. Coleridge's Mariner und Herman Melvilles Ahab sind ähnliche romantische Pilger.

Für die englische Literatur findet sich in Wordsworths Vorwort zur zweiten Auflage der Lyrical Balladen (1800) der bedeutendste Ausdruck eines romantischen Engagements für Emotionen, wo er behauptet, dass "alle gute Poesie der spontane Überlauf ist Der kraftvollen Gefühle. " Obgleich Wordsworth diese Behauptung qualifiziert, indem er vorschlägt, daß der Dichter ein reflektierender Mann ist, der seine Emotionen "in der Ruhe" erinnerte, markieren die Betonung auf Spontaneität, auf Gefühl und die Verwendung des Begriffs Überlauf scharfe Ablenkungen von früher Ideale des Urteils und der Zurückhaltung.

Auf der Suche nach einer neuen Quelle dieses spontanen Gefühls lehnt Wordsworth die neoklassische Idee des passenden Themas für ernste Vers ab und wendet sich an die Einfachheit des rustikalen Lebens ", weil in diesem Zustand die Leidenschaften der Menschen mit den schönen und bleibenden Formen einverleibt werden von Natur." Diese Wechselwirkung mit der Natur hat für viele romantische Dichter mystische Obertöne. Die Natur wird von ihnen nicht nur als ein Beispiel und Quelle der lebendigen körperlichen Schönheit, sondern als eine Manifestation des Geistes auch im Universum ergriffen. In der "Tintern-Abtei" schlägt Wordsworth vor, dass die Natur sein physisches Wesen gefördert, seine Gefühle erregt und ihm schließlich "ein sinnvolleres Erlebnis" von einer weit tieferen Einmischung verliehen habe, "einer geistigen Kraft, die nicht nur in die Formen der Natur immanent ist "In den Köpfen des Menschen." Obwohl nicht unbedingt in den gleichen Worten, wird auch ein ähnlicher Zusammenhang zwischen der Welt der Natur und der Welt des Geistes von Blake, Coleridge, Byron und Shelley gemacht.

In seinem Wunsch, mit einer spirituellen Kraft zu identifizieren, die Romantiker oft das faustische Streben nach dem Erhabenen und dem Wunder. Dem Wandel, dem Fluß und nicht der Stauung verpflichtet, sehnt er sich danach, zu glauben, daß der Mensch perfekt ist, daß moralischer und mechanischer Fortschritt möglich ist. Obwohl die Explosion von Hoffnung und Begeisterung, die die frühen Stadien der Französischen Revolution markierte, bald gedämpft wurde, blieben ihre Echos lange Zeit des 19. Jahrhunderts aus und überlebten sogar im 20. Jahrhundert. Wenn die Romantiker ihren Feind oft in dem erfolgreichen Bourgeois, dem Philister mit gesorgtem Interesse an sozialer Stabilität sehen, ist die politische Revolution nicht immer sein Ziel. Seine Bewunderung für das Natürliche, die Organische, die in der Kunst zum Sturz der klassischen Regeln führt und die Entwicklung einer einzigartigen Form für jedes Werk, in der Politik kann ihn dazu bringen, das Individuum dem Staat unterzuordnen und darauf zu bestehen, dass die Bedürfnisse der

Alle Rechte vorbehalten.

Obwohl diese Eigenschaften der Romantik etwas von ihrer Natur vorschlagen, sind sie weit von erschöpfend. Das Phänomen ist zu vielfältig und zu widersprüchlich, um eine leichte Definition zuzulassen. Wie Lovejoy behauptete, sind "typische Manifestationen des geistigen Wesens der Romantik verschiedenartig als Leidenschaft für Mondschein, für rote Westen, für gotische Kirchen … zum Sprechen ausschließlich über sich selbst, für Heldenverehrung, für das Verlieren in einem Ekstatische Betrachtung der Natur ".

Unterschiede zwischen Neoklassizismus und Romantik:

Sowohl Neoklassizismus als auch Romantik sind Pole, abgesehen von einer Vielzahl von Perspektiven. Allerdings sind die sichtbaren Unterschiede zwischen Neoklassizismus und Romantik wie folgt:

1

Die neoklassizistischen Schriftsteller gab Bedeutung für das Denken, die Vernunft und die Vernunft.

Auf der anderen Seite, die romantischen Schriftsteller Bedeutung, um Emotionen, Phantasie und Selbst-Erfahrung.

2

Im Neoklassizismus war die Poesie die kunstvolle Behandlung des wirklichen Lebensgeschehens in eine poetische Komposition, die einen fiktiven Charakter darstellt

Aber in der Romantik, Poesie persönliche Gefühle des Dichters als es spontan und nicht der Mann in Aktion in der Komposition Ausdruck

3

Die Neoklassiker gaben dem poetischen "Auge" Bedeutung, wo der Leser die andere Person durch das Auge des Dichters sieht.

Während die Romantiker dem poetischen "Ich" Bedeutung verliehen, heißt es, dass der Leser den Dichter in dem Protagonisten sieht.

4

Nach den Neoklassizisten waren die Menschen ein wichtiger Teil der sozialen Organisation, waren das Hauptthema der Poesie.

Im Gegensatz dazu schätzen die Romantiker viel viel in ihrer Dichtung

5

Für die Neoklassiker waren formale Regeln, Diktion, Wortschatz und Grammatik wichtiger.

Im Gegenteil, Diktion wurde als weniger wichtig von den Romantikern angesehen und sie mehr auf die Sprache des gemeinen Mannes

6

Die Neoklassiker glaubten an Ordnung in allen Dingen.

Aber die Romantiker glaubten an Spontaneität des Denkens und Handelns.

7

Die Neoklassiker schrieben über die objektiven Fragen, die die Gesellschaft als Ganzes, wie Politik und Religion betrafen.

Umgekehrt schrieben die Romantiker über subjektive Erfahrungen des Individuums, wie Wünsche, Hoffnungen und Träume

8

Traditionelle Standards wurden von den Neoklassizisten streng gepflegt.

Während die Romantiker an Experimente glaubten

9

Die Neoklassizisten übten kontrollierten Witz

Die Romantiker feierten starke Leidenschaft und Vision

10

Der Schwerpunkt der Neoklassizisten war vor allem auf Erwachsene Bedenken, vor allem die der herrschenden Klasse.

Aber die Romantiker dachten über die Erfahrungen der Kindheit, der primitiven Gesellschaften und des gemeinen Mannes nach.

Fazit:

Neoclassicism ist eine Wiederbelebung der Stile und des Geistes der klassischen Antike, die direkt aus der klassischen Epoche entstanden, die die Entwicklungen der Philosophie und anderer Bereiche des Aufklärungszeitalters zusammenfiel und reflektierte und anfänglich eine Reaktion gegen die Exzesse des vorhergehenden Rokoko-Stils. Während die Bewegung oft als das entgegengesetzte Gegenstück der Romantik beschrieben wird, ist dies eine große Übervereinfachung, die bei der Betrachtung von bestimmten Künstlern oder Werken nicht so nachhaltig ist, wie der vermeintliche Hauptmeister des späten Neoklassizismus Ingres dies besonders demonstriert Gut. In englischer Sprache wird der Begriff "Neoklassizismus" hauptsächlich in der bildenden Kunst verwendet; Die ähnliche Bewegung in der englischen Literatur, die bedeutend früher begann, heißt Augustanische Literatur, die seit mehreren Jahrzehnten vorherrschte, und begann zu sinken, als der Neoklassizismus in den bildenden Künsten modisch wurde. Obwohl sich die Begriffe unterscheiden, war die Situation in der französischen Literatur ähnlich. In der Musik sahen die Epochen den Aufstieg der klassischen Musik, und "Neoklassizismus" wird von Entwicklungen des 20. Jahrhunderts verwendet. Doch die Opern von Christoph Willibald Gluck repräsentierten ein spezifisch neoklassisches Konzept, das in seinem Vorwort zu der veröffentlichten Partitur Alceste (1769) dargelegt wurde, die darauf abzielte, die Oper durch die Beseitigung von Ornamenten zu reformieren Der Chor im Einklang mit der griechischen Tragödie, und mit einfacheren schmucklosen melodischen Linien.

Nur zeigen, was die romantische Bewegung ist, kann es als eine Reaktion gegen Neoclassicism gezeigt werden. Romantische Kunst porträtiert emotional, gemalt oder in einer kühnen und dramatischen Weise gezeigt, und es gibt oft einen Stress auf die Vergangenheit. Romantische Künstler benutzen oft traurige Themen und dramatische Tragödien. Gemälde von berühmten romantischen Künstlern wie Gericault und Delacroix sind mit energetischen Pinselstrichen, reichen Farben und emotionalen Themen gefüllt. Während der deutsche Landschaftsmaler Casper David Friedrich Bilder von verlorener Einsamkeit und gleichzeitig in Spanien schuf, vermittelte Francisco Goya die Schrecken des Krieges in seinen Werken. Dies zeigt die Vielfalt der verschiedenen Kunstwerke dieser Zeit. Einige dieser Künstler waren in der Natur fasziniert; Können die Menschen auf jeden Fall sehen, wenn sie durch alle Romantik Museum, auch die Bedeutung von Drama und Emotionen gezeigt werden. Zu dieser Zeit machten die Künstler ihre Kunstwerke mehr darzustellen, was das Auge sieht, die Künstler fügten dem Kunstwerk mehr Symbolismus in der Renaissance hinzu. Die präraffaelitische Bewegung folgte der Romantik, und der Impressionismus ist fest in der romantischen Tradition verwurzelt. Weitere berühmte romantische Künstler sind George Stubbs, William Blake, John Margin, John Constable, JMW Turner und Sir Thomas Lawrence. Und obwohl die Romantik für die Gemälde sehr beliebt war, war sie auch für ihre Musik, ihre Dichtung und sogar ihre Architektur beliebt. Dies zeigt, dass dieser Zeitraum nicht nur in der Vielfalt der Kunstwerke, sondern auch eine Vielzahl von allen möglichen Wirkungen.

Zitierte Arbeiten

Ferber, Michael. (2010) Romantik: Eine sehr kurze Einführung . Oxford und New York: Universität von Oxford.

Honor, Hugh. (1968) Neoklassizismus. Stil und Zivilisation (nachgedruckt 1977)

Irwin, David. (1997) Neoklassizismus . London: Phaidon

Smith, Logan Pearsall. (1924) Vier Worte: romantisch, Originalität, kreativ, Genie. Oxford, Clarendon Press

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Source by Md. Ziaul Haque

Wie man auf Ihre Kunstmaterialien aufpasst

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Ihre Kunstmaterialien sind die Grundlage für Ihre Kunstwerke. Warum riskieren Sie Ihre Kreativität durch Vernachlässigung Ihrer Kunst liefert? Es ist einfach, auf Ihre Kunst Materialien aufzupassen. Alles was Sie tun müssen, ist, einige einfache Schritte zu beachten:

Machen Sie einen Arbeitsbereich

Ein Arbeitsbereich ermöglicht es Ihnen, effektiver an Ihren Kunstprojekten zu arbeiten. Da Sie einen separaten Bereich zu zeichnen und zu malen, können Sie mehr auf Ihre Kunst zu konzentrieren.

Ein weiterer Vorteil, dass ein Arbeitsbereich ist, dass Kinder keinen Zugriff auf Ihre Gemälde Materialien haben. Sie müssen nicht auf der Suche nach Ihrer Kunst liefert rund um Ihr Haus, weil sie in Ihrem Arbeitsbereich nur sein müssen.

Planen Sie Ihre Palette

Planen Sie die Farben, die Sie im Voraus verwenden werden. Organisieren Sie die Farben in Ihrer Palette entsprechend. Dies wird Ihnen helfen, notwendige Materialien leicht, während Sie malen. Wenn Sie nur die gewünschten Farben auswählen, können Sie ganz einfach loszuwerden Unordnung aus der Verwendung einer Menge von Malerei Materialien.

Halten Sie Wasser weg von Ihrer Arbeit

Da eine Leinwand auch ein Kunstwerk ist, sollten Sie sich bewusst sein, wie zu kümmern. Wenn Sie mit Wasser Tassen während der Malerei, stellen Sie sicher, dass Sie diese weg von Ihrer Leinwand zu halten. Dies ist wichtig, damit Sie nicht versehentlich das Wasser auf Ihre Arbeit werfen.

Reinigen Sie Ihre Pinsel

Pinsel erfordern umfangreiche Pflege, da seine Borsten leicht beschädigt werden können, wenn Sie sie nicht richtig reinigen. Reinigung Pinsel zu oft erhöht ihre Haltbarkeit.

Wenn Sie in Ihrem Gemälde Wasserfarben verwendet haben, können Sie die Pinsel nur mit Wasser reinigen. Allerdings müssen Sie sie mit Verdünnern zu reinigen, wenn Sie ein Ölgemälde gemacht haben.

Store Art Supplies Separat

Es gibt verschiedene Arten von Boxen, die speziell entwickelt, um Materialien von Kunstwerken zu speichern sind . Sie können diese Boxen zum Speichern von Lackrohren, Pastellkreiden und Farbstiften in separaten Fächern kaufen. Es wird Ihnen helfen, den Zugang zu diesen Materialien, wann immer Sie sie brauchen für Ihre Arbeit.

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Source by Matthew Aldis

Die beliebtesten Arten von Leinwand-Kunst

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Seit der Einführung von Leinwand Kunstdrucke, Menschen, die Dekoration ihrer Heimat genießen haben viel mehr Spaß. Mit dem Einsatz von Leinwand Kunst, können sie nun einige ihrer beliebtesten Snapshots, alle bei gleichzeitiger Verbesserung der Darstellung ihres Lebensraumes.

Menschen verwenden alle Arten von persönlichen Fotos für Leinwand Kunst, aber sie können auch beschließen, Bilder von bestehenden Kunst gelten. Während die "Mona Lisa" möglicherweise nicht in ihrem Budget sind, können sie ihre Lieblingsstücke wieder herstellen, indem sie Fotos auf Leinwandprodukten von einem Leinwand- und Kunstdruckunternehmen bestellen.

Beim Surfen durch die verschiedenen Leinwand Kunststile Kunstliebhaber oft zu bestellen, scheinen die folgenden Kunst-Typen zu den beliebtesten

1. Moderne Leinwandbilder

Menschen, die moderne Leinwandbilder genießen, werden Bilder aus künstlerischen Werken auswählen, die in der Zeit zwischen den 1860er und 1970er Jahren entstanden sind. Berühmt in dieser Ära waren Künstler wie Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Paul Gauguin, George Braque und Henri de Toulouse-Lautrec. Das Werk dieser Maler heißt "moderne Kunst", weil es experimentell war. Die Techniken, die sie benutzten, waren nichts wie die, die von ihren Vorgängern verwendet wurden.

2. Zeitgenössische Kunst auf Leinwand

Wenn zeitgenössische Kunstdrucke bestellt werden, wurden die Bilder während des Zweiten Weltkriegs oder danach produziert. Das bedeutet, dass alle heute entstandenen Gemälde der zeitgenössischen Kunst zuzuordnen sind. Während die heutigen Kunstwerke in der Regel nicht so schwer oder unkoordiniert sind wie jene, die in früheren Zeiten konstruiert wurden, können sie immer noch den Werken der berühmten historischen Künstler ähneln. Zeitgenössische Leinwand Kunst ist sehr beliebt, wie viele Stücke passen gut in die heutige Wohnkultur ..

3. Abstrakte Leinwandbilder

Einfache Linien und Farben prägen den Ausdruck von Realitäten und Emotionen in abstrakter Kunst. Es ist eine Visualisierungsform, die von vielen großen Weltkünstlern verwendet wird. Lose bezogen auf abstrakte Kunst sind nicht-darstellende Kunst, nicht-objektive Kunst und nicht-figurative Kunst. In der einen oder anderen Weise stellen diese Kunstformen eine imaginäre Wahrnehmung dessen dar, was der Künstler als Wirklichkeit wahrnimmt.

4. Landschaften auf Leinwand

Während einige Einzelpersonen lieber ihre eigenen Urlaubsfotos auf Leinwand übertragen haben, interessieren sich andere eher für gemalte Landschaften oder professionell aufgenommene Bilder von Panoramablick. Für sie sind diese Segeltuchkunststücke eine Weise, dem Alltag zu entgehen; Sie können auch eine Gelegenheit bieten, Orte zu genießen, an denen sie niemals selbst reisen können.

5. Blumenmalerei

Floral Leinwand Kunst ist eine aktuelle Kunstbewegung. Blumen sind beruhigend und können in den meisten Häusern, Unternehmen und Büros verwendet werden. Blumenanordnungen und Gartenszenen machen auch große Geschenke. Wer liebt nicht Rosen, Sonnenblumen, Orchideen und Lilien? Diese Blumen werden am meisten geschätzt, da sie für die kommenden Jahre dauern wird.

Leinwandbild und Leinwanddrucke können online bestellt werden. Führen Sie eine detaillierte Suche, um einen Drucker mit nur 100% Baumwolle, wasserabweisend Leinwand und archivalischen Pigmenttinte zu finden. Foto-Segeltuchstücke sollten auch mit einer Laminatschicht beendet werden, um sicherzustellen, dass sie UV geschützt werden, damit die Farben der Wandkunst für viele Jahre dauern.

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Source by Mia Cusack

Japanese Woodblock Prints Künstler – Hokusai und Hiroshige Compared

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Ein berühmtes Kunstgenre ist die japanische Holzschnitt-Drucke, bekannt als ukiyo-e, die buchstäblich bedeutet "Bilder der schwimmenden Welt." Es ist ein Kunstgenre, das im 16. Jahrhundert entstand und unter den gewöhnlichen Bürgern von Japan populär wurde, weil die relative Leichtigkeit der Fortpflanzung bedeutete, daß diese Drucke der allgemeinen Bevölkerung erschwinglich waren. Gegenstand dieser japanischen Holzschnitte waren vor allem Szenen und Menschen der Unterhaltungs- und Vergnügungsviertel in Edo (heute Tokio), nämlich Theater und Bordelle.

In den späten 1700er Jahren, ukiyo-e Holzblock Drucke verzweigt, um Landschaftsdrucke gehören. In den späten 1700er Jahren, ukiyo-e wurde als Poster Werbung für die Geisha Frauen, Kurtisanen und kabuki Schauspieler, die in diesen Betrieben arbeiten verwendet. Zwei Zeitgenossen, die in dieser Zeit herausragend waren, sind Katsushika Hokusai und Ando Hiroshige, obwohl sie 37 Jahre jünger waren. Beide waren berühmt für ihre Landschaftsdrucke, obwohl sie beide auch mehr "traditionelle" Themen von Frauen und Schauspielern gemalt haben. Auf den ersten Blick können die Werke dieser beiden Meister sehr ähnlich im Stil und Thema, die Szenen aus Edo und Mt. Fuji. Wenn man nicht mit ihrer Arbeit vertraut ist, kann es schwierig sein, sie auseinander zu halten und die Unterschiede zu sehen, die bei näherer Betrachtung deutlicher werden. Darüber hinaus beeinflussten Werke dieser beiden Meister einige namhafte europäische Künstler: Hokusais Werke beeinflussten Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir und Hermann Obrist, während Hiroshige eindeutig einen Einfluss auf Vincent Van Gogh und Ivan Bilibin hatte.

Die Unterschiede zwischen diesen beiden künstlerischen Genies liegen in ihren Hintergründen, die sich vermutlich auf ihre Stile auswirken konnten Und Ansätze zu ihrer Kunst. Hokusai war von einer obskuren Abstammung, während Hiroshige zu einem niedrigen Samurai geboren wurde, ein Diener zum Shogun und dessen Aufgabe war, Edo Schloss vor einem Feuer zu schützen. Hokusai würde dann fast 100 verschiedene Namen während seiner Karriere und bewegen sich von einem Ort zum anderen, so dass die Menschen, um ihn als verrückt oder instabil. Hiroshige hingegen erbte im Alter von 13 Jahren den Job seines Vaters als Bürokraten, wandte sich aber ein Jahr später der Kunst zu. Vielleicht schien Hokusai aufgrund dieser Unterschiede in seinen Hintergründen dramatischer zu sein, indem er mit scharfen, kraftvollen Linien und einer Reihe von Farben malt, die eine komplexe Technik im Holzschnitt ist, da sie eine Reihe von Holzblöcken benötigen. Hiroshige jedoch betonte mehr auf die Stimmung, die Atmosphäre und das Ambiente, die seine Gemälde subtiler und passiver erscheinen lassen. Ein anderer Unterschied kann in ihrer Wahl des Gegenstandes sein. Hokusai ist ein Buddhist der Nichiren Sekte mit dem Berg. Fuji betrachtete eine heilige Stätte und seine Überzeugungen und Spiritualität spiegeln sich in einem seiner berühmtesten Werke mit dem Titel "Einhundert Ansichten von Mt. Fuji" mit dem Berg. Fuji ist das zentrale Thema. Hiroshige gemalt Mt. Fuji als auch, aber es ist nur als Teil einer Szene auf dem Weg während seiner Reise von Edo nach Kyoto entlang der Tokaido Straße, die zu den Gemälden eines seiner berühmtesten Werke führte gefangen genommen: "Dreiundfünfzig Stationen von Tokaido ".

Mit diesem Verständnis der verschiedenen Stile dieser beiden japanischen Holzschnittkünstler, hoffentlich kann ihre Arbeit genossen und geschätzt werden sogar noch mehr

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Source by Jane J Simmons

Kunstgewerbe Kunst und Kunsthandwerk Projekte für Senioren

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Die lohnendsten Kunst und Handwerk Projekte für ältere Menschen finden Sie in einem keramischen Geschäft. Einige der Kunst- und Kunsthandwerkprojekte werden auf Regalen aufgestellt und die größeren Projekte werden auf dem Boden innerhalb des Geschäftes oder draußen auf Betonplatten gefunden. Aufgrund der Größe von einigen Objekten, bevorzugen viele ältere Menschen Projekte, die sie mit sehr wenig Schwierigkeiten tragen können.

Einige der Kunst-und Kunsthandwerk-Projekte, die ältere Menschen am liebsten werden Feature keramischen Vögel in vielen Flugphasen. Einige der Vögel finden Sie sitzen auf Ästen, die genau wie die in Ihrem Garten aussehen. Einige von ihnen müssen das Schleifen für einige Zeit, bevor jede Art von Malerei beginnen kann und dies ist, weil die Kanten der Form zeigen auf beiden Seiten.

Die Vögel sind leicht zu handhaben und sind sehr leicht, die sie machen Die perfekte Wahl für alle Kunst und Handwerk Projekte für ältere Menschen. Die Werkzeuge für dieses Kunst- und Handwerksprojekt sind ziemlich einfach und die meisten keramischen Stücke benötigen nur Sandpapier, einen Pinsel und eine Vielzahl von Acrylfarben, die in den bequemen Behältern angeboten werden, die vom unzerbrechlichen Plastik gebildet werden.

Keramiken sind perfekte Kunst-und Handwerksprojekte für Senioren, die homebound sind. Diese Projekte können die einsamen Stunden des Tages mit herrlichen Farben zu füllen und geben den älteren Menschen eine Chance, ein Gefühl der Erfüllung mit jedem Keramik-Stück, das fertig ist erleben.

Es gibt noch andere Gründe, warum Keramikstücke die perfekten Kunst- und Kunsthandwerksprojekte für ältere Menschen darstellen. Die älteren Menschen können Freundschaften entwickeln, wenn sie ihre Stücke herausbringen, wenn Freunde aufhören. Es gibt viele Möglichkeiten für ältere Menschen, kleine Versammlungen in ihrem Haus zu organisieren. Der erste Grund für die Einrichtung einiger dieser keramischen Parteien ist die Arbeit an Projekten, aber die Chancen, die die älteren Menschen wirklich genießen, sind die vielen Stunden des Gesprächs, die mit jedem keramischen Stück, das begonnen wird, möglich sind

The Arts Und Handwerksprojekte für Senioren können ihnen einen Grund geben, aktiv zu bleiben und ihre Lebenserfahrungen noch weiter auszubauen. Keramisches Projekt verhindert, dass ältere Menschen zurückgezogen werden und ihnen ein glückliches und sehr volles Leben ermöglichen. Die Vögel und andere Skulpturen, die sie erstellen, können verwendet werden, um ihre Häuser zu dekorieren, und dienen als das perfekte Geschenk für jeden Anlass

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Source by James Brown

Do und Don'ts der Malerei ein hölzernes Schauspielhaus wie ein Experte

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Welche bessere Weise ist es, einen unmittelbaren Wechsel zu Ihrem hölzernen Spielhaus Ihres Kindes als mit einem neuen Lackjob zu machen? Wenn Sie bereit sind, Ihre Kinder-Spielhaus malen und Sie wollen es für außergewöhnliche seit Jahren zu halten, gibt es mehrere Dinge, die Sie auf jeden Fall tun müssen, und andere Dinge, die Sie vermeiden möchten

Das Folgende ist ein Liste der Do's und Don'ts auf, wie Sie Ihr hölzernes Spielhaus fachmännisch malen, damit es für Jahre in die Zukunft dauern wird:

  1. Bereiten Sie vor der Zeit Ihr Spielhaus für die Malerei vor. Bereiten Sie Ihr Spielhaus vor, indem Sie leicht lose, getrocknete oder abblätternde alte Farbe mit einem Spachtel oder einem Schleifer abschaben, wobei darauf geachtet wird, dass das darunter liegende Holz nicht beschädigt wird.
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  3. Dichten Sie alle Risse um Fenster oder Türen. Wenn es Risse gibt, bei denen zwei Holzoberflächen miteinander verbunden sind, verwenden Sie Dichtung, um die Risse abzudichten. Dies hält die Feuchtigkeit außerhalb des Spielhauses.
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  5. Verwenden Sie eine hochwertige Grundierung, um alle Holzspielhausflächen zu lackieren. Die Verwendung eines Primers hilft, die Haftung der Farbe auf Holzoberflächen zu erhöhen und die wasserdichten Eigenschaften der freigelegten Holzoberflächen zu erhöhen.
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  7. Verwenden Sie eine Außenfarbe. Außenfarbe ist formuliert, um der Verwitterung zu widerstehen, die ein hölzernes Spielhaus in seinem Leben erfahren wird. Interior grade Farbe wird nicht gegen Regen und Schnee. Wenn eine Innenfarbe an Oberflächen verwendet wird, die dem Freien ausgesetzt sind, wird in wenigen Monaten nach dem Anstrich die Farbe anfangen zu schuppen und sich zu lösen
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  9. Malen Sie über die gleiche Farbe. Wenn eine Wasserfarbe (Latex) zuletzt verwendet wurde, dann verwenden Sie eine Wasserfarbe dieses Mal, um das Spielhaus zu malen. Verwenden Sie eine Öl-basierte Farbe auf eine zuvor Öl-basierte lackierte Oberfläche zu malen. Im Zweifelsfall verwenden Sie eine wasserbasierende Farbe, weil sie leichter anzubringen, schnell trocknend ist, hilft, Feuchtigkeitsprobleme zu vermeiden, und die Reinigung ist einfacher.
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  11. Malen Sie von oben nach unten. Beginnen Sie mit dem Faszienbrett und den Giebeln zuerst. Dann bewegen Sie sich zum Malen der Seiten des Spielhauses, gefolgt von den Fenstern und trimmen. Die Schauspielhaustür ist das letzte, was zu bemalen ist.
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  13. Planen Sie Ihre Malerei um die Sonne und Wetter. Versuchen Sie, Ihre Malerei herum zu arbeiten, wo die Sonne nicht ist. Am Morgen, malen die West-und Südseite und am Nachmittag, malen die Ost-und Nordseite am Nachmittag.
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  15. Nicht grundieren oder malen über Abdichtungen, die nicht vollständig getrocknet. Beim Trocknen wird die nasse Verstemmung reißen und zusammen mit dem Primer oder der Farbe, die gerade aufgetragen wurde, schälen.
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  17. Malen Sie nicht über abgebrochenen oder abblätternden alten Farbe. Malerei über getrocknete oder abblätternde Farbe mit neuer Farbe garantiert, dass die neue Farbe in naher Zukunft schneller abbrechen wird.
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  19. Warten Sie nicht, um neues Holz zu malen.

Ein guter Außenlackierauftrag wird die Lebensdauer Ihres hölzernen Spielhauses verlängern. Mit diesen Tipps, werden Sie bereit sein, wie ein Profi zu malen. Ihre Kinder werden sehr glücklich sein, dass ihr neu gemaltes Spielhaus für viele Jahre in die Zukunft dauern wird.

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Source by Sharon Marsh

The Importance of Art in Our Everyday Lives

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The Importance of Art in Our Everyday Lives

Most people don`t realize just how much we rely on art and all forms of it, in our everyday lives. While you might not be aware of it, we are surrounded by it and use it on a continual basis. It might sound exaggerated, but it is very true. Chances are, you have some form of art in your home. Whether visual art or musical, it`s there. Do you have a photograph or painting on a wall? A quilt on the bed? A woven area rug or decorative tea towels? Not all visual art is purely for looking at, a lot of it is functional and this is particularly true when it comes to our homes. Everything from that cute blue and white teapot to the sleek computer case can be considered a form of art. But why is it important? You could get along just fine with essential items that were non-artistic. You could survive just fine without music on your stereo. And that is the reason that is it so valuable. You see, while art may not be vital to fulfill our basic needs it does make life joyful. When you look at the paintings you`ve chosen to hang on your bedroom wall, you feel happy. The sculpture or figurines in the kitchen window create a sense of joy and create the atmosphere that you want to live in. It might seem very simple, but the fact of the matter is, music and art affect most of what we do. Everywhere you go, art is evident. The parks use sculptures to add interest and to inform people. Posters on walls give information and motivation. Music plays on the radio to keep your energy levels up. It`s something that we literally find ourselves immersed in most of the time!

Many people work with music on. It`s something that helps them set the mood for what they are about to do. If they have something hard or difficult to work on or are feeling tired, an energetic music band can wake them up and add some energy to the situation. Likewise, when stress is high, many find that relaxing to a calming music is something that works well. Inspirational posters or even art that you personally find motivational are often found in workspaces to encourage the worker to continue being productive and have been proven to actually work. This is why many companies now use art in their offices, as well as background music or they allow their workers to listen to music as they are working on a project. Whatever the case, the end result is often of far better quality. The art we are surrounded with or watch, even in videos, can impact us in an emotional sense. Some art is very dark and can cause disturbing emotions, anger or even depression. Other art, visual art or otherwise, can affect our mood in a more positive method, making us feel happier, calmer or even inspired to do something, it’s a very powerful thing! Whether visual or musical, you`ll find that art is something that can really affect your everyday life, for better or for worse.

Using a music set to visual art has proven to be an excellent method of providing mental stimulation. If you have ever watched an inspirational video you know just how strongly they can cause you to react, just by using visual art and music in combination. Likewise, you can tell a story or convey a message through this type of combination, using art and music to get the point across. Even in another language, these types of artistic presentations make sense because they are using universal languages! They will cause joy, anger or sadness, no matter what your mother tongue. As you can see, art is everywhere. We are influenced and affected by it on a daily basis, whether we realize it or not.

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Source by ylotana project

Islamic Art – How Did it Begin?

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Islamic Art that evolved the time followed the death of the Prophet (P.B.U.H.) was mostly depicted in the architectural manner. This form emerged in countries where ever Islam prevailed and personified the Muslim precepts in its motifs and themes. As the wings of Islam spread from Africa to Egypt and from Spain to Persia, it gained strength and substance. The origins lay in its rich and artistic Arabian heritage as different kinds of art were utilized to express the uniqueness of Islam without any form of pictorial depictions.

Islamic art was developed over time by a unique blend of various arts from the Byzantines, the Copts, the Romans, and the Persians. Therein lays the greatest asset of this art, its skill to fuse the native designs with imported ones to achieve a completely distinct end result. The one common factor in all kinds of Islamic art is the abstract embellishments and designs. Most utilized the curved and interlacing lines in bright and vibrant colors to enhance the various styles. The finest pieces of this art and architecture throughout the world are clearly distinguishable by the vivacious colors in floral designs.

The current form of such art is believed to have emerged during the rule of the Umayyad caliphate (661-750). Thereafter, many divergent periods of Islamic art and architecture transpired. Therefore, this art is most commonly classified according to the reigning empire when the art work was created. Most museums and art galleries have categorized their collections by the different Muslim dynasties including the Umayyad, Abbasid, Safavid, Ottoman and Mughal.

As Islam is a diverse religion that encompasses people of various ethnic backgrounds, the Islamic art is also much diversified to accommodate all ethnicities of its followers. It has the ability to unify various elements into a beautiful piece depicting the many facets of the artist. Islamic art avoids any form of human or animal representation in it. This is because of the Muslim belief that no one can replicate the work of Allah. Thus all such art is invariable found in the form of floral, geometric and abstract shapes and lines. Many good books are also available for those who are interested in learning more about its history and descent through time to its current version. World travelers notice the specific regional features of Islamic art varying from terrain to terrain to encompass that particular place’s history into it.

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Source by Sohail Khan